PRETO E LONXE (1)

PRETO E LONXE (1)

ANDRÉS TROITIÑO
BARCELONA

Exploro el lenguaje audiovisual, no como un mero transmisor de información, sino como un dispositivo de creación de diálogo y reflexión, a través de la apropiación de material de la red, y la puesta en relación de los fragmentos permitiendo una lectura análoga del relato.

Para este proyecto seleccioné, por un lado, imágenes que pudieran dar la información necesaria para una suficiente comprensión del conflicto de las tractoradas en Galicia. Por otro lado, seleccioné imágenes de artistas que trabajan en el ámbito del arte político de distinto carácter, centrándome concretamente en el arte activista. Para mi segunda selección había tres factores a tener en cuenta: la proximidad a temáticas de explotación laboral, la preocupación de temáticas de trasfondo político, y el interés explícito de los artistas o colectivos por la relación arte-realidad. Finalmente quedó dividido en tres partes que se entienden sólo por la acción de los vacíos que se insertan entre ellas. La primera parte está enfocada como un pequeño documental sobre las tractoradas de 2015 en el territorio gallego; en la segunda, se empieza a tratar el tema arte-realidad al mostrarse algunos artistas que se decantan preferiblemente por la galería. La tercera parte mantiene está temática, pero introduce el arte de acción. Con el cierre se da paso, de nuevo, a la primera problemática.

Las imágenes no están tratadas más allá de su recorte y montaje con el resto del conjunto. Me he limitado a colocar rótulos que indican quién habla en cada momento, me he apropiado del lenguaje del reportaje. El título, “Cerca y lejos”, hace referencia por un lado a la cercanía del artista a la realidad, pero también a la cercanía entre el denominado primer mundo con el tercero, el sector primario con el terciario, y el explotador con el explotado.

Fue proyectado casi como material didáctico, su presentó por primera vez en una clase de Actituds Interdisciplinars, una asignatura obligatoria en el grado de Bellas Artes, aquí en Barcelona; también en el espai coworking de la facultad de economía.

 

 

CONSTELACIÓN DE ARTISTAS

1.       El primero en aparecer es Asier Mendizábal, artista vasco que trabaja mucho en el campo del discurso político, la semiótica y los sistemas de representación. Me interesó para este proyecto su trabajo por dos razones: por un lado, trató el tema del sector primario, y más concretamente utilizó el símbolo de la rueda del tractor para representarlo,  y por otro lado, precisamente el modo de abordar una problemática de estas características me parece poco acertada, en un mundo en el que el arte tiene más bien poco protagonismo a nivel social intentar la transformación social a través de un arte de museo o galería, que se va a quedar en este círculo cerrado de instituciones, y público limitado.  Se trata de una forma de trabajar algo inconsciente, en mi opinión.

Asier Mendizábal

 

2. Juan Luis Moraza es el segundo artista que escogí para mi proyecto. Él defiende explícitamente el museo como “un espacio de convergencia entre el ciudadano-artista y el espectador-ciudadano”. Moraza le otorga una gran relevancia al espacio museístico, pero pone  de manifiesto la necesidad de transformarlo en un lugar de interacción con el público: un espacio “democrático”, capaz de prododucir  una participación del espectador en tanto que que trasnforme la sala en un sistema de representación de la realidad que atañe a los individuos. Aunque apoyo esta  concepción de la idea del espacio-museo, en mi marco de prioridades éste se debería limitar a ser una herramienta que pueda servir al artista político en ocasiones concretas, para objetivos necesarios e indirectamente: la financiación de proyectos y el darse a conocer en el mundo del arte.

                                                        Juan Luis Moraza

 

3.       Santiago Sierra deja patente en sus obras la gran distancia existente entre arte y realidad utilizando el museo como símbolo de esta división. Con la temática de la explotación laboral explora la distancia que existe entre los contextos en los que interviene en sus proyectos y los espacios en los que después expone. En ocasiones, pone de manifiesto este contraste llevando a las personas que trabajan para él a la sala del museo. La obra de Sierra es un reflejo de la hipocresía que inunda el mundo del arte entendiéndolo como una expresión de sus instituciones y proyectos más reactivos.  Aunque solamente el arte de galería  será el que transforme la sociedad, cambiar desde dentro esta perspectiva puede beneficiar en gran medida al arte político.

Santiago Sierra

La figura de Guy Debord y las ideas de los situacionistas quienes abogaban por la superación del arte a través del juego y el diálogo como armas de transformación social, componen los principales puntos de referencia de muchos de los artistas políticos contemporáneos. Si los situacionistas decían que el arte estaba muerto,  ahora se dice eso de “todo es arte”:  todos somos potencialmente artistas. En mi opinión se trata de una reformulación de la vieja idea de os situacionistas.  Si sus acciones prácticas estuvieron limitadas desde sus inicios, sus ideas han sido recogidas y reformuladas con una mayor riqueza por los artistas contemporáneos. Entre ellos yo escogí a cuatro artistas y colectivos que nos pueden ayudar a hacernos una pequeña composición de lugar de aquello que se ha llamado “Arte activista”.

1.       Dinero gratis fue uno de los colectivos que elegí por su forma de tratar la precariedad laboral. Este colectivo aúna unas buenas bases filosóficas y sociológicas con el eficaz manejo del diseño de logos, carteles y contenido multimedia. En este grupo se puede apreciar un distanciamiento muy considerable de las formas tradicionales de hacer arte, la idea de la acción directa cimienta su metodología, interviniendo en las calles con carteles; también a través de internet. Así, los límites del arte se amplían y entremezclan con el diseño y el activismo. No obstante, el proyecto nace de Las Agencias, un espacio que concedió el MACBA a jóvenes creadores. Con la frase “dinero gratis” se constituye un contradictorio concepto que se plantea como la solución, quizás sólo a nivel simbólico, salir del circuito del dinero y el trabajo: el dinero como bien imprescindible para la vida y el trabajo como condición inherente a su obtención.

 

2.       También de Las Agencias nació el proyecto Prêt-à-revolter. En este caso, los jóvenes se fabricaron unos trajes con protecciones para evitar los golpes de antidisturbios y transformar su imagen como activistas. Defendían la idea de la “representación directa”, es decir, la autoconstrucción de su imagen. En este proyecto moda, arte y activismo aunaron fuerzas para crear una imagen colorida y agradable de los activistas, tradicionalmente violenta y desafectiva. Me parece importante la especial relevancia que se le da a la problemática de los medios de comunicación en este proyecto. Guy Debord anunció que las imágenes serían el mayor productor de espéctaculo del mundo, de alienación. El tiempo le ha dado la razón y proyectos como este ayudan a crear alternativas de defensa contra ello.

3. Los Superheroes Precarios es un colectivo de Hamburgo. Influenciadso por el grupo español Yomango, sus acciones consisten en robar en supermercados disfrazados de superhéroes, grabarlo todo y despues dar la comida a gente que la necesita. Realmente es un acto simbólico, como ellos dicen, pero estos pequeños gestos sin duda ayudan a romper con los discursos morales hegemónicos, sobre todo cuando estas acciones logran trascender a los medios de comunicación, como de hecho ha pasado con este grupo. El juego adquiere un gran protagonismo en sus acciones, una estrategia que ya requirieron los situacionistas en su momento: “con seriedad reclamamos juegos” era una de las frases con las que resumían esta demanda.

4.       Con Nuria Güell cierro esta constelación de artistas, ella juega con los limites de la legalidad intentando subvertirlos discursos hegemónicos. Para ello realiza estudios exhaustivos de las leyes y busca la manera de darles la vuelta para que finalmente amparen al que a priori soportaba sus efectos. Al igual que ocurría con los Superhéroes Precarios sus acciones tienen un efecto más bien simbólico, por lo que es complicado acceder al mensaje de sus obras si no es desde las instituciones del arte. No obstante, al contrario que Moraza, quien habla de la necesidad del compromiso con la tradición artística, la voluntad en la obra de Nuria Güell es la de eliminar las barreras institucionales, tanto del arte como de los estados, ella lo denomina “arte útil”.

Nuria Güell

 

Nueva Cultura

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